Pour sa deuxième année au festival de Bayreuth, la production avec « Augmented Reality (AR) » de Jay Scheib se présente, pour certains spectateurs, approfondie et affinée du point de vue musical et de la mise en scène. Sur toute la durée, les animations AR ne paraissent pas toujours innovantes et évolutives.
Après tout, depuis l’engagement du metteur en scène américain, l’objectif déclaré était d’élever le « Parsifal » vers de nouvelles sphères grâce à une technologie de pointe. Malheureusement, le coût élevé des lunettes a entraîné une réduction du nombre de lunettes dès le début de l’engagement de Scheib. Et cette année encore, on n’a pas pu (voulu ?) augmenter le nombre de places pour les lunettes. L’année dernière déjà, c’était une occasion manquée de montrer à tous les spectateurs le potentiel innovant de cette technique.
Et maintenant ? En ce qui concerne la capacité d’innovation, Scheib a étonnamment peu retravaillé les animations AR pour sa reprise. Et ce, malgré le fait que l’année dernière encore, les possibilités de progrès technique auraient progressé de manière fulgurante. Ainsi, certaines animations semblent parfois un peu dépassées dès la deuxième année.
Dès le début, au son des sphères solennelles du prélude, le spectateur AR est attiré de manière impressionnante dans le monde des étoiles qui tournoient dans l’obscurité totale. La lance qui s’abat sur chacun au deuxième acte semble déjà attendue, tandis qu’au troisième acte, l’espace qui s’élargit vers le bas de la scène, tel un paysage côtier rocheux sur lequel bondissent renards et agneaux, captive.
Kalachnikovs, grenades à main, batteries cassées et personnages avec une lance et une blessure au ventre illustrent de manière belle et compréhensible l’idée de mise en scène des conflits et des guerres qui suivent l’exploitation de l’environnement et de la nature avec ses terres rares et ses cristaux pour la production de téléphones portables et de batteries. Car à la fin, les hommes-amphibiens campent autour d’un étang dont l’eau n’est plus particulièrement pure, mais contaminée par l’extraction des minéraux. Le décor de Mimi Lien aux couleurs inhabituelles, entre le monde rose de Klingsor avec des magiciennes du pays de Barbie et un monde du Graal en bleu et jaune avec des vêtements d’amphibiens (costumes de Meentje Nielsen), semble nouveau et innovant, car (jusqu’à présent) il n’est pas souvent utilisé de cette manière dans d’autres productions.
Les autres éléments de RA tels que les fleurs, les livres et les papillons ne sont souvent que des illustrations qui masquent la scène. En effet, Scheib a trouvé ici un guidage plus clair des personnages et de nouvelles représentations : Lorsque Klingsor lance sa lance sur Parsifal, Kundry s’interpose.
Enfin, le Graal se brise sous la forme d’un grand cristal bleu, jeté volontairement au sol par Parsifal. L’homme doit désormais vivre avec la nature qu’il a détruite. Comment cela peut-il se faire ? À la fin, Parsifal prend Kundry par la main et descend dans la mare contaminée. Une nouvelle utopie va-t-elle suivre ? S’agit-il d’une destruction définitive ou du prélude à quelque chose de nouveau ? La question reste ouverte et laisse perplexe.
Ekaterina Gubanova confère à Kundry une profondeur de caractère envoûtante, et l’on pourrait immédiatement comprendre que Parsifal puisse être séduit. Cela crée une tension merveilleusement crépitante tout au long du deuxième acte. Son mezzo chaud et plein a une belle forme, il est rond et animé, et permet de ressentir musicalement le désespoir, la mélancolie et la fatigue de son personnage. Seule l’intelligibilité du texte pourrait être légèrement améliorée.
Le Parsifal d’Andreas Schager se montre indestructible. Il crie la plainte d’Amfortas de toute son âme, même s’il sait faire preuve d’une bonne intelligibilité. Pour le reste, il maîtrise le rôle avec beaucoup de naturel et de droiture, ce qui convient bien au « Thor pur ».
Jordan Shanahan donne un Klingsor à l’expression rayonnante et extrêmement concentrée, tandis que l’Amfortas de Derek Walton aurait pu ce soir-là apporter un peu plus de plainte et d’expression à son ténor par ailleurs très expressif. Le Titurel de Tobias Kehrer convainc par son intonation claire et expressive.
Même si Georg Zeppenfeld ne parvient pas tout à fait à renouer avec ses meilleures performances en ce jour de reprise, sa prestation de Gurnemanz est d’une qualité exceptionnelle. Sa basse est nuancée et, grâce à une articulation claire, elle parvient à créer une tension tout au long des longs récits. La joie solennelle du retour de la lance rayonne dans la salle avec une grande profondeur de caractère. Un moment qui donne la chair de poule, même si dans la fosse, au troisième acte, Pablo Heras-Casado n’est pas tout à fait à la hauteur de l’interprétation de la partition, jusque-là nuancée et pleine de tension.
L’orchestre avait joué le premier acte de manière différenciée dans des tempos rapides. L’approche de Heras-Casado, qui consiste à jouer de manière stricte, rapide et peu pathétique, est très convaincante. Cela semble adapté aux chanteurs*, nuancé et équilibré pour l’acoustique du Festspielhaus. Il sait également modeler le deuxième acte avec un flux clair, précis et léger, tandis que les arcs de tension et la pression diminuent quelque peu au troisième acte. Dans l’ensemble, cette production présente une interprétation musicale tout aussi affûtée de l’« œuvre d’adieu au monde ».
Les chœurs, sous la direction d’Eberhard Friedrich, assurent une plasticité impressionnante dans un ensemble harmonieux et captivant. Les jeunes filles en fleurs, les chevaliers du Graal et les écuyers complètent une liste de distribution de grande qualité.
Quelques huées pour l’équipe de mise en scène et de nombreux applaudissements pour la direction et les chanteurs*.